Ronnie Cutrone

Vue de l’exposition Ronnie Cutrone à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Grégory Copitet. © Ronnie Cutrone

Ronnie Cutrone

22.03 – 10.05.2024
Galerie 75 Faubourg


En collaboration avec Hedges Projects, les galeries Enrico Navarra et 75 Faubourg présentent une sélection d’œuvres sur toile et sur papier de Ronnie Cutrone (artiste américain, 1948-2013).

Vues de l’exposition Ronnie Cutrone à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Grégory Copitet. © Ronnie Cutrone

Dès 1965, il évolue dans la sphère de la Factory. Après avoir réalisé des performances avec le groupe Velvet Underground, produit par Andy Warhol, il devient l’un de ses proches collaborateurs. Il travaillera à ses côtés au lancement du magazine Interview et sur certaines séries comme celles des « Piss paintings », pour laquelle Warhol lui demandera de prendre des doses supplémentaires de vitamine B pour améliorer la réactivité à l’oxydation de son urine. Il immortalisera la vie quotidienne de la Factory à travers une série de photographies couleur en 3D stéréoscopiques, comprenant des images de Warhol au travail et des clichés de ses visiteurs parmi lesquels figurent Mick Jagger, Debbie Harry, Dennis Hopper ou Paloma Picasso.

Acteur de cette époque, il sera le témoin privilégié de mouvements artistiques allant du punk au pop. C’est dans ce contexte que Cutrone va développer sa propre pratique artistique et une imagerie post- Pop mettant en scène des personnages emblématiques tels que Woody Woodpecker, Bart Simpson et Bugs Bunny. Ses œuvres, véritables témoignages de l’effervescence créative de New York, ont été exposées pour la première fois à la Richard Feigen Gallery en 1969 et figurent dans d’importantes collections privées et publiques depuis son succès à Art Basel en 1982.

Portrait de Ronnie Cutrone. Photo : George Rose.

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Ettore Sottsass

Vue de l’exposition Ettore Sottsass à la Villa Navarra, Le Muy, France. Photo : Loic Thébaud. © Ettore Sottsass

Ettore Sottsass

Été 2022
Villa Navarra


Doriano Navarra, en collaboration avec le commissaire d’exposition Ivan Mietton, est heureux de présenter une exposition d’Ettore Sottsass à la Villa Navarra. L’exposition, pensée comme un intérieur de collectionneur, présentera une trentaine d’œuvres du designer italien Ettore Sottsass (1917-2007), ainsi qu’une sélection d’œuvres modernes et contemporaines d’Alberto Giacometti, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Andy Warhol, A.R. Penck, George Condo, Martial Raysse …

Vues de l’exposition Ettore Sottsass à la Villa Navarra, Le Muy, France. Photo : Loic Thébaud. © Ettore Sottsass

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Renk - Paper Cloud

Vue de l’exposition Paper Cloud à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Romain Darnaud. © Renk

Renk
Paper Cloud

08.12.2023 – 09.02.2024
Galerie 75 Faubourg


Les galeries 75 Faubourg et Enrico Navarra présentent Paper Cloud, la deuxième exposition qu’elles consacrent à l’artiste Renk. Dans ses créations, Renk assujettit l’espace par l’écriture et le signe, par un langage formel qui se déploie dans les pigments de son œuvre. Sa gestuelle, son nom qu’il n’a de cesse d’apposer, interrogent la matérialité physique des paysages littéraires qui se dessinent.

Vues de l’exposition Paper Cloud à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Romain Darnaud. © Renk

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Enoc Pérez - Under The Palm Trees

Vue de l’exposition Under The Palm Trees d’Enoc Pérez à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Nicolas Brasseur. © Enoc Pérez

Enoc Pérez
Under The Palm Trees

18.10 – 01.12.2023
Galerie 75 Faubourg


Les galeries Enrico Navarra et 75 Faubourg présentent Under The Palm Trees, la seconde exposition personnelle qu’elles consacrent à Enoc Pérez, artiste natif de Porto Rico et vivant à New York. Les dernières œuvres d’Enoc Pérez ont été produites dans le cadre chaleureux de la Villa Navarra au Muy, dans le Sud de la France. Dans cette exposition, l’artiste se plonge dans le domaine des clichés commerciaux, les transcendant pour qu’ils deviennent des facettes intégrales de nos identités mêmes.

Vues de l’exposition Under The Palm Trees d’Enoc Pérez à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Nicolas Brasseur. © Enoc Pérez

Le fondement de la réflexion de Pérez s’appuie sur un Porto Rico présent au plus profond de son être mais également sur un vaste appareil documentaire datant des années 60 et rassemblant du contenu promotionnel pour son île natale. Ce matériel séminal comporte des connotations puissantes tant pour les natifs que pour les étrangers, et Pérez le transforme magistralement en une forme d’expression artistique singulière.

« Lorsque j’ai commencé à peindre des bouteilles de rhum, je l’ai fait parce que c’était pour moi des autoportraits, des natures mortes, du pop art américain et des mensonges. Boire du rhum ne m’a jamais rendu populaire auprès des femmes, riche ou heureux. Cela a fait de moi un alcoolique et pourtant j’aime ces images. Cela ressemble beaucoup au syndrome de Stockholm. » Enoc Pérez, Septembre 2023.

Enoc Pérez à la Villa Navarra, Le Muy, France, 2023. Photo : Loic Thébaud.

Photo : Nicolas Brasseur. © Enoc Pérez

Comme dans son Porto Rico bien-aimé, où les rêves et les promesses de l’île se réalisent ou non, sous le balancement des palmiers, Pérez nous transporte dans le sud de la France, baigné de soleil, où l’allure de ces palmiers imposants devient l’un des symboles de son identité. Que ces promesses se concrétisent ou qu’elles restent dans le domaine de l’imagination n’a pas d’importance, car sous les palmiers, les rêves sont soigneusement élaborés afin d’écarter toute réalité gênante.

Dans l’art de Pérez, ces clichés se transforment en une puissante représentation de notre identité collective. Tout comme à Porto Rico, où les images commerciales touristiques de stations balnéaires, de luxe, de sensualité et de spiritueux reflètent une histoire coloniale complexe et une existence contemporaine, l’œuvre de l’artiste nous incite à embrasser la nature multiforme de nos propres identités.

Entrez dans un monde où les peintures de bouteilles de rhum de Pérez sont à la fois des natures mortes classiques et du pop art américain. Avec une touche élaborée et poignante, il explore l’attrait paradoxal de ces images. Les promesses que sous-tendent ces publicités pour le rhum ne l’ont pas rendu populaire, riche ou joyeux, mais il les aime quand même et les identifie comme siennes. D’une certaine manière, c’est un voyage qui s’apparente au syndrome de Stockholm, où le captif tombe amoureux de son ravisseur, mais dans ce cas, c’est le pouvoir de séduction de ces clichés commerciaux qui captive notre imagination.

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Keith Haring à la Citadelle de Saint-Tropez

Vue de l’exposition Keith Haring à la Citadelle de Saint-Tropez, Saint-Tropez, France. Photo : Simon Schwyzer, Courtesy Editions Sébastien Moreu, Paris 2021. © Keith Haring Foundation, 2021

Keith Haring
à La Citadelle de Saint-Tropez

01.07 – 15.11.2021
Citadelle de Saint-Tropez


7 sculptures dont 6 monumentales et le Pop Shop Tokyo qui est une expérience immersive dans une œuvre originale de l’artiste… Voilà̀ ce que la ville de Saint-Tropez et la Galerie Enrico Navarra vous proposent de voir et de vivre lors de cette exposition. Cet évènement d’une qualité́ exceptionnelle a reçu l’aval bienveillant des représentants de la Fondation Keith Haring et la plupart des œuvres réunies proviennent de collections privées ou de galeries internationales. Si toutes les sculptures ont déjà̀ été exposées, l’opportunité́ de les admirer dans un tel contexte rendra votre parcours et leur appréciation incomparables autant qu’inédits.

Vues de l’exposition Keith Haring à la Citadelle de Saint-Tropez, Saint-Tropez, France. Photo : Simon Schwyzer, Courtesy Editions Sébastien Moreu, Paris 2021. © Keith Haring Foundation, 2021

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Enoc Pérez

Vue de l’exposition Enoc Pérez à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Nicolas Brasseur. © Enoc Pérez

Enoc Pérez

22.10 – 03.12.2021
Galerie 75 Faubourg


Les galeries Enrico Navarra et 75 Faubourg présentent leur première collaboration avec l’artiste américain Enoc Pérez. L’exposition comprend une sélection de peintures et dessins récents, dont la majorité́ est exposée pour la première fois, abordant les thèmes de prédilection de l’artiste : les intérieurs, les portraits de personnalités, et les voitures, entre autres.

Vues de l’exposition Enoc Pérez à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Nicolas Brasseur. © Enoc Pérez

Né en 1967 à Porto Rico où il a grandi, Enoc Pérez vit et travaille actuellement à̀ New York. Après des études d’art au Hunter College (New York) puis au Pratt Institute (New York), Enoc Pérez a travaillé́ trois années aux côtés de l’artiste Andrés Bueso. Il se décrit comme « un mari, un père, un peintre, un portoricain, un américain » (Enoc Pérez interviewé par Stéphane Timonier, août 2021). Pérez a été représenté́ entre autres par Mitchell-Innes & Nash, Galerie Nathalie Obadia, et Acquavella Gallery, avant de rejoindre Ben Brown Fine Arts. Ses œuvres figurent également dans plusieurs collections publiques comme le Whitney Museum of American Art (New York), le Metropolitan Museum of Art (New York), et le San Francisco Museum of Modern Art (San Francisco).

Enoc Pérez à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France, 2021. Photo : Nicolas Brasseur.

Crash, 2021. Photo : Nicolas Brasseur. © Enoc Pérez

A la fin des années 90, Enoc Pérez réalise une série de portraits de femmes qu’il admire secrètement. Au début des années 2000, sa rencontre avec Carole, qui deviendra sa femme, impacte immédiatement les sujets de ses œuvres : il commence son exploration des formes architecturales, l’un des thèmes majeurs et les plus reconnaissables de son travail. Vers 2018, sur recommandation de son mentor Peter Brant, Pérez commence à̀ explorer les intérieurs. Ses peintures des bâtiments et des intérieurs sont comme des portraits culturels figés dans un temps, dans un lieu, évoquant à la fois le passé, le présent et le futur, volontairement dépourvus de toute présence humaine. Tandis que les architectures sont créées comme un hommage, les intérieurs représentent plutôt une ode. Chaque pièce choisie est directement liée à̀ une personne que Pérez admire ou trouve intrigante : des artistes, des musiciens, des célébrités. Pendant le confinement, il diversifie ses sujets : voitures en feu, avions, et un retour à̀ l’imagerie architecturale.

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Résonance, Jean-Michel Basquiat et l'Univers Kongo

Vue de l’exposition Résonance, Jean-Michel Basquiat et l’Univers Kongo à la Galerie Gradiva, Paris. Photo : Diane Arques, ADAGP, Paris, 2022. © Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

Résonance, Jean-Michel Basquiat
et l'Univers Kongo

07.09 – 19.11.2022
Galerie Gradiva


Du 7 septembre au 19 novembre 2022, la galerie Gradiva, en collaboration avec les galeries Bernard Dulon et Enrico Navarra, propose, sous le titre de l’exposition « Résonance, Jean- Michel Basquiat et l’Univers Kongo », une expérimentation esthétique inédite. Dans ses espaces situés 9 quai Voltaire, elle invite le visiteur à se laisser guider par l’émotion face au dialogue formel qu’elle établit entre les dessins de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) et de puissantes figures de pouvoir nkisi nkonde de la sphère culturelle kongo provenant du Musée royal de l’Afrique centrale de Tervuren. L’exposition offre une plongée au cœur des œuvres et de leur âme.

Vues de l’exposition Résonance, Jean-Michel Basquiat et l’Univers Kongo à la Galerie Gradiva, Paris. Photo : Diane Arques, ADAGP, Paris, 2022. © Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

Nkisi Nkonde « maloango » (culture kongo), région de Tshela. Bois (Canarium schweinfurthi), pigments, matériel fétiche, miroir, clous et lames de fer. Hauteur : 71 cm Collection du MRAC, échange avec les Musées royaux d’Art et d’Histoire (1979), acquis auprès de E. Dartevelle (1937)

Les nkisi nkonde étaient des fétiches/charmes (nkisi) puissants connus de certains groupes kongo occupant les actuels pays d’Angola, de la République démocratique du Congo et de la République du Congo. Objet rare et onéreux à créer, le nkisi nkonde était employé par un nganga (ritualiste) pour servir les besoins de la communauté́. Cumulant plusieurs fonctions, il pouvait notamment être utilisé pour jeter un sort ou conjurer le destin, traquer des malfaiteurs et des ndoki (sorciers) ou encore aider à guérir certaines maladies. Intimement liée au pouvoir politique, la présence d’un nkisi nkonde efficace au sein d’un village représentait une source de prestige et de richesse. Ainsi, le chef d’un clan pouvait accepter de « louer les services » de son nkisi nkonde à un autre village n’en possédant pas. En dehors des cérémonies publiques aux quelles il participait, le nkisi nkonde était placé dans une habitation spécifique et confié à la garde d’une ou plusieurs personnes.

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Renk - Voyages sur le motif

Renk sur l’île Bruc, Port Blanc, Bretagne, France, 2020. Photo : Rodolphe Darblay. © Renk

Renk
Voyages sur le motif

27.01 – 07.04.2023
Galerie 75 Faubourg


La Galerie Enrico Navarra collabore avec la Galerie 75 Faubourg pour présenter une exposition de l’artiste Renk, composée d’une sélection d’œuvres sur toile inédites de la série Voyages sur le motif. Peintes sur sept destinations de 2020 à 2022, 13 des 24 toiles sont présentées aujourd’hui à la Galerie 75 Faubourg, et les 11 dernières toiles seront exposées à la Villa Navarra (Le Muy, France) cet été. L’exposition dévoile également toutes les étapes de leur création à travers des vidéos.

Vues de l’exposition Voyages sur le motif à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Fabrice Gousset. © Renk

Né Walig Nicolet à Rennes en 1987, il commence à taguer en 2000 avec le blaze 100REMOR après avoir vu un reportage à la télévision consacré au graffiti. Quelques années plus tard, il rencontre plusieurs tagueurs et adeptes du graffiti lors de sa formation au CFA Com Bagnolet. Il change alors de nom pour utiliser Renkar, avant d’opter en 2007 pour Renk, qui devient son nom d’artiste. En 2011, après une révélation lors d’un voyage dans le désert du Sinaï en Égypte, Renk se consacre pleinement à la peinture sur toile.

Portrait de Renk, Paris, France, 2022. Photo : Rodolphe Darblay

Piscine de Dinard, Juillet 2021, 2021. Photo : Rodolphe Darblay. © Renk

Commencée à Paris, la série Voyages sur le Motif est surtout le fruit de plusieurs séjours en Bretagne. Chaque toile a été créée face à la nature, face au ciel, et porte le nom de son lieu de création : Champ de Mars, Dinard, Baie du Mont-Saint-Michel, Île- de-Bréhat, Crozon, Île Bruc, Belle-Île… Renk emprunte le chemin des impressionnistes et, comme eux transporte son matériel pour peindre en extérieur, sans esquisse préalable. Il peint « sur le motif ».

Artiste autodidacte, il utilise la bombe aérosol pour représenter des ciels dans lesquels les couleurs s’estompent pour laisser apparaître l’harmonie. Le ciel est au centre de sa recherche, non pour son effet pittoresque mais pour illustrer, avec spontanéité, les variations de couleurs, des ombres et des lumières. Ces œuvres sont une accumulation de son tag « Renk », de taille et couleur différentes, répété à l’infini jusqu’à disparition.

SÉLECTION D'ŒUVRES EXPOSÉES

VIDÉOS

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Dr. Esther Mahlangu - The Breath of Calligraphy

Vue de l’exposition The Breath of Calligraphy à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Romain Darnaud. © Dr. Esther Mahlangu

Dr. Esther Mahlangu
The Breath of Calligraphy

21.04 – 30.06.2023
Galerie 75 Faubourg


Les galeries 75 Faubourg et Enrico Navarra présentent l’exposition The Breath of Calligraphy de l’artiste sud-africaine Dr. Esther Mahlangu, composée d’une sélection d’acryliques sur toile réalisées entre 2010 et 2022. Ces œuvres font référence à l’héritage Ndebele de la peintre et célèbrent « la contemplation de l’espace et de la couleur, à la fois omniprésente et intense : une calligraphie propre à l’Afrique. […] Elle [Mahlangu] partage avec nous l’histoire limpide d’une vie, traduite par la géométrie et la couleur dans le langage de l’art.” (Ruzy Rusike, livret de l’exposition)

Vues de l’exposition The Breath of Calligraphy à la Galerie 75 Faubourg, Paris, France. Photo : Romain Darnaud. © Dr. Esther Mahlangu

Dans la communauté Ndebele, la tradition de la peinture murale décorative est un art séculaire réservé aux femmes, avec des techniques transmises de mère en fille, et réalisé sur les façades des maisons lors de cérémonies rituelles. Dès son plus jeune âge, Esther Mahlangu a ainsi appris à fabriquer les pigments, à préparer la surface à peindre comme à créer des compositions décoratives mêlant figures géométriques traditionnelles et motifs inventés.

Dr. Mahlangu révolutionne cet art traditionnel à travers l’utilisation de nouvelles techniques. Elle est ainsi la première à transférer cette pratique picturale sur des toiles et autres médiums contemporains, et a remplacé les pigments naturels par des peintures acryliques encore plus vives et contrastées. Utilisant une plume, elle peint à main levée sans esquisse préalable, sur des formats et supports divers et variés : des toiles, des murs, des céramiques, des voitures (BMW Art Car Collection, 1991), des motos ou des baskets (Eytys, 2015).

Portrait du Dr. Esther Mahlangu. Photo : Clint Strydom.

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Renk - Voyages sur le motif – Part II

Vue de l’exposition Voyages sur le motif – Part II à la Villa Navara, Le Muy, France. Photo : Loic Thébaud. © Renk

Renk
Voyages sur le motif – Part II

03.07 – 15.09.2023
Villa Navarra


Dans le prolongement de l’exposition à la Galerie 75 Faubourg, Paris, la Galerie Enrico Navarra présente à la Villa Navarra la suite de la série Voyages sur le motif de l’artiste Renk, sur rendez-vous uniquement. Peintes sur sept destinations de 2020 à 2022, les onze dernières toiles de la série sont exposées pour tout l’été dans cet espace conçu par l’architecte Rudy Ricciotti. L’exposition dévoile également toutes les étapes de leur création à travers des vidéos.

Vues de l’exposition Voyages sur le motif – Part II à la Villa Navara, Le Muy, France. Photo : Loic Thébaud. © Renk

Né Walig Nicolet à Rennes en 1987, il commence à taguer en 2000 avec le blaze 100REMOR après avoir vu un reportage à la télévision consacré au graffiti. Quelques années plus tard, il rencontre plusieurs tagueurs et adeptes du graffiti lors de sa formation au CFA Com Bagnolet. Il change alors de nom pour utiliser Renkar, avant d’opter en 2007 pour Renk, qui devient son nom d’artiste. En 2011, après une révélation lors d’un voyage dans le désert du Sinaï en Égypte, Renk se consacre pleinement à la peinture sur toile.

Portrait de Renk, Le Muy, France, 2023. Photo : Loic Thébaud.

Jardin, Île Vierge, Crozon, octobre 2022 (soir), 2022. Photo : Loic Thébaud. © Renk

Commencée à Paris, la série Voyages sur le Motif est surtout le fruit de plusieurs séjours en Bretagne. Chaque toile a été créée face à la nature, face au ciel, et porte le nom de son lieu de création : Champ de Mars, Dinard, Baie du Mont-Saint-Michel, Île- de-Bréhat, Crozon, Île Bruc, Belle-Île… Renk emprunte le chemin des impressionnistes et, comme eux transporte son matériel pour peindre en extérieur, sans esquisse préalable. Il peint « sur le motif ».

Artiste autodidacte, il utilise la bombe aérosol pour représenter des ciels dans lesquels les couleurs s’estompent pour laisser apparaître l’harmonie. Le ciel est au centre de sa recherche, non pour son effet pittoresque mais pour illustrer, avec spontanéité, les variations de couleurs, des ombres et des lumières. Ces œuvres sont une accumulation de son tag « Renk », de taille et couleur différentes, répété à l’infini jusqu’à disparition.

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