Makoto Ofune naît en 1977 à Osaka. Peintre japonais, il vit et travaille dans la préfecture de Shiga, près de Kyoto. En 2000, il sort diplômé du département des beaux-arts de l’université d’éducation de Kyoto. Il s’y spécialise notamment dans le nihonga, la peinture de style japonais. Il y poursuit ensuite, en 2001, un cycle de recherche postuniversitaire.

Une technique entièrement naturelle

Héritier de cette tradition, Ofune la réinvente avec une rigueur rare. Chaque élément de ses œuvres est entièrement naturel, sans colorant ni produit chimique. Son support est un papier de chanvre fabriqué pour lui, appelé « papier Ofune ». Il le tend alors sur un châssis de bois à l’aide d’une colle naturelle. Ses couleurs sont des iwa-enogu, des pigments minéraux obtenus selon une méthode ancestrale. Minerais et pierres, cinabre, azurite ou malachite, sont d’abord brisés au pilon de fer. Ils sont ensuite broyés au mortier de céramique. Plus les particules sont fines, plus la couleur gagne en intensité.

Ces poudres sont mêlées à la nikawa, une colle animale naturelle. Elle doit être appliquée avant de refroidir et de figer. L’artiste ne peut donc en préparer que de petites quantités à la fois. En séchant, la colle fixe les pigments sur le papier. Elle crée une surface en relief, presque sculptée, qui garde la texture et l’éclat des minéraux. Makoto Ofune répète ce geste couche après couche, jusqu’à obtenir la couleur et la matière recherchées.

Ce processus lent et minutieux est pour lui une forme de méditation. Il charge ainsi ses œuvres d’une profonde spiritualité. Le processus compte autant que l’œuvre achevée. Il commence même, dit-il, bien avant qu’il ne touche ses matériaux. Les couleurs des pierres se sont en effet formées pendant des millénaires au sein de la Terre. Makoto Ofune se considère comme « un pont entre la nature et l’art ». Il traduit donc la puissance et le mystère du monde naturel.

Des paysages de couleur

Ses œuvres sont souvent réunies en séries aux titres évocateurs, comme Wave ou Reflection Field. Ce sont de vastes paysages de couleur, vibrants et changeants selon la lumière et l’angle de vue. Par leur profondeur, elles cherchent à entrer en résonance avec l’infini. Elles invitent alors le spectateur à se perdre dans des champs chromatiques oniriques. L’artiste réalise aussi des sculptures qui prolongent cette recherche dans l’espace.

En 2016, il reçoit une bourse de l’Agence japonaise pour les affaires culturelles, pour un programme d’études à l’étranger. Il a exposé seul à la Yoshii Gallery à New York et à la Gallery Ami à Osaka. Il a aussi exposé seul à la Galerie Akié Arichi à Paris et chez Olivier Malingue à Londres. Son travail a par ailleurs été présenté au Neues Museum de Nuremberg, à la Gallery Koyanagi à Tokyo et à la Maison de la culture du Japon à Paris. Il a également été montré dans les sanctuaires shintoïstes de Shimogamo et de Kamigamo, à Kyoto. En 2023, le Château La Coste, en Provence, lui consacre l’exposition Into the Harmony.

Eternity à Paris

Au printemps 2025, la Galerie 75 Faubourg présente à Paris Eternity, avec la Yoshii Gallery (New York) et la Galerie Enrico Navarra. L’exposition réunit des peintures et des sculptures récentes.